Ein wabernder, pulsie­render Venus-Fleisch­berg wölbt sich über die halbe Bühnen­breite. Seine gedun­senen Wülste sondern groß­flä­chig Sekrete ab. Es ist ein Bild, das anekelt und den Über­druss des Helden an dieser Umge­bung plau­sibel macht. Es ist aber auch ein Bild, das in seiner Über­fülle und Plaka­ti­vität faszi­niert und eine eigen­tüm­liche, verfüh­re­ri­sche Ästhetik entwi­ckelt. Anhand der aktu­ellen „Tannhäuser“-Inszenierung von Romeo Castel­lucci an der Baye­ri­schen Staats­oper hat sich unsere Autorin Gedanken zur neuen Bilder­sprache in der Oper und zur Zukunft des Regie­thea­ters gemacht.

Über­satt hat man sich in den vergan­genen Jahren an der kargen, kahlen Optik des perso­nen­zen­trierten Regie­thea­ters gesehen. Und schon wieder öffnete man die Saaltür – der Vorhang war längst abge­schafft – zu einer farb- und freud­losen, weit­ge­hend unmö­blierten, grim­migen, geome­tri­schen Schwarz-Weiß-Welt. Es regierte der graue Anzug – oder die Nackt­heit. Die einzige Unmä­ßig­keit lag in zuweilen groß­flä­chig über weiße Wände verteilten Mengen Thea­ter­bluts oder unmo­ti­viert verschmierten Bühnen­ex­kre­menten. Kein Platz für Bunt­heit. Kein Platz für echte Bild­ge­walt. Der Zuschauer sollte ganz auf die Aktion geworfen sein. Auf die bedeu­tungs­schwere Inter­ak­tion der Darsteller. Mit Erschre­cken bemerkte man im ablen­kungs­freien Raum die Absur­dität eines 300 Kilo schweren Lohen­grins oder einer bewe­gungs­un­wil­ligen Prima­donna. Plötz­lich sollten sie schön und jung sein, die Sänge­rinnen und Sänger. Und spielen sollten sie können wie ihre Kollegen vom Sprech­theater. Ob das hohe F bäuch­lings und über­hän­gend über­haupt noch zu singen sei, war ein immer­wäh­render Kampf zwischen musi­ka­li­scher und szeni­scher Leitung.

Es war keine schlechte Zeit. Aus Rampen wurden Bühnen­räume – leere zwar, aber tapfer und bedeu­tungs­voll durch­schrit­tene. Zuweilen wurde es eintönig, saß man doch oft gut und gerne 30 Meter vom Geschehen entfernt und konnte die fili­grane Regie­ar­beit in der linken Hand der Prot­ago­nistin nur einge­schränkt goutieren.

Am Sonntag hatte an der Baye­ri­schen Staats­oper der neue „Tann­häuser“ in der Regie von Romeo Castel­lucci Première. Seine Bild­mäch­tig­keit steht für einen aktu­ellen Trend. Castel­lucci kommt von der Bildenden Kunst, und viele seiner Szenen erin­nern an Gemälde: Die nackt­brüs­tige, lang­haa­rige Amazonen-Armada im Venus­berg, die mit ihren pech­schwarzen Jagd­bögen erst das Bild eines gewal­tigen Auges, dann eines Ohres mit ihren Pfeilen beschießt. Die Pilger­schar, die einen gigan­ti­schen Gold­klumpen nach Rom trägt, um mit indi­vi­du­ellen kleinen Gold­klumpen zurück­zu­kehren. Die Wart­burg, die selbst zum Orga­nismus wird, indem sich ihre riesigen, wehenden Gaze-Schleier perma­nent bewegen, neu sortieren, Räume schaffen. Oder die visu­elle Über­la­ge­rung dreier Zeit­ebenen im dritten Aufzug: Die noch „lebenden“ Sänger im Vorder­grund, ihre zuneh­mend verwe­senden Leichen aufge­bahrt in der Mitte und völlig ad absurdum getriebe Zeit­an­gaben („Hier vergehen hundert Millionen Milli­arden Milli­arden Milli­arden Jahre“ etc.) im Hinter­grund. Zwar darf das Thea­ter­blut auch bei Castel­lucci nicht fehlen, doch kreiert es aus einem Rohr auf eine kolos­sale Dreh­scheibe gespritzt im symme­tri­schen Zerfließen eine form­voll­endete Blut­sonne. Dass da zwischen­durch ein echtes Pferd über die Bühne trap­pelt, fällt kaum mehr auf.

Foto: Wilfried Hösl

Das Auge ist zurück. Die Bild­macht ist zurück und viel­leicht so stark wie nie. Das hat sich an der Baye­ri­schen Staats­oper noch vor der Inten­danz Bachler mit den poppigen Barock-Comic­welten unter David Aldens Regie ange­kün­digt, später mit Produk­tionen wie Hermann Nitschs vom Bild her gedachter Insze­nie­rung von Messiaens „Saint Fran­çois d’As­sise“ fort­ge­setzt und natür­lich im Neo-Zirkus – inklu­sive 3D-Brillen und einem schlitt­schuh­fah­renden Opern­chor – etwa in „Turandot“ der fabel­haften Thea­ter­gruppe La Fura dels Baus. Doch im Gegen­satz zu Castel­lucci gelingt letz­teren ein unge­hemmter Fluss zwischen den Bildern. Das Bild wird Prozess.

Dagegen versagt Castel­lucci. Zwischen Gemälde und Gemälde schafft er keinen Über­gang. Statt Entwick­lung herrscht Stagna­tion. So schießen etwa die Amazonen rund 15 Minuten lang in fast iden­ti­scher Weise auf ihr Ziel. Der Venus-Fleisch­klumpen wabert monoton. Der Chor ist eine entin­di­vi­dua­li­sierte Masse. Um Perso­nen­füh­rung hat sich der Italiener nicht geschert. Die Sänger könnten eben­sogut von der Seiten­bühne singen. Da wirkt eine – stimm­lich wie immer zuver­lässig wunder­bare – Anja Harteros im Herum­stehen fast geal­tert oder hemmt die mangelnde Agilität einen zwar stimm­starken, aber für einen Tann­häuser zu wenig diffe­ren­zierten und zu Beginn etwas näselnden Klaus Florian Vogt. Nur bei Chris­tian Gerhaher passt die Statik beinahe zu dessen faszi­nie­render musi­ka­li­scher Neuschöp­fung der Rolle des Wolfram von Eschen­bach. Mit großer Intel­li­genz, radikal vom Text her gedacht und der Klar­heit und Lyrik eines Lied­sän­gers erschafft er einen gerade dadurch starken, berüh­renden Wolfram, der kaum einer Aktion bedarf.

crescendo-Kolum­nist Axel Brüg­ge­mann hat in seinem Artikel „Radikal umdenken!“ den Irrwitz eines zwang­haften Regie­thea­ters entlarvt, in dem nahezu patho­lo­gisch jedem Alten eine neue Aussage über­ge­stülpt wird… ob die Vorlage und deren neues Gewand wollen oder nicht! Brüg­ge­mann sieht einen Ausweg in einem rigo­rosen Hinwenden zu zeit­ge­nös­si­schen Opern­kom­po­si­tionen. Das ist eine Lösung, ja! Tatsäch­lich zeichnet sich in den bild­ori­en­tierten Regie­ar­beiten aber bereits eine Abkehr von der hyste­ri­schen Neukon­zept-Verge­wal­ti­gung alter Stoffe ab. Die nächste Wagner-Oper muss nicht im konkreten und dadurch zuweilen trivialen Trump-Tower oder in einer Casting-Show spielen. Über kluge, opulente Bebil­de­rung kann eine andere, packende Art der Abstrak­tion geschaffen werden. Zurück zu einer neuen Sinn­lich­keit! Nur sollte dabei nicht vergessen werden, Bild und Bild auch klug und drama­tur­gisch packend zu verfüh­re­ri­scher Eska­la­tion zu verbinden – denn das konnte Regie­theater ja eigent­lich immer schon ganz gut!