Am Ende sind es dezente, fast schon melo­diöse „Buh!“s, die sich in die Appl­aus­gischt mischen. Seit 2013, Wagners 200. Geburtstag, hatte Frank Castorfs „Ring des Nibelungen“-Inszenierung bei den Bayreu­ther Fest­spielen alljähr­lich die Wagner-Gemüter in Pauschal­wal­lung versetzt. Im über­emo­tio­na­li­sierten Premie­ren­rummel hatte sich Castorf seiner­zeit gelassen, provo­kant und regel­recht genuss­voll minu­ten­langen Unmuts-Kano­naden ausge­setzt. Nun ging seine Inzwi­schen-fast-schon-Kult-Produk­tion in die letzte Runde (einzig seine „Walküre“ ist im kommenden Jahr noch einmal zu sehen). Eine Betrach­tung zum Abschied.

Um Castorfs Bilder­welten zu verstehen, sollte man sich zunächst bewusst machen, dass man sie in letzter Konse­quenz gar nicht verstehen kann. Der schei­dende Inten­dant der Berliner Volks­bühne arbeitet mit freier Asso­zia­tion, mit Verfrem­dung, mit Slap­stick, mit expe­ri­men­tellen Versatz­stü­cken einer­seits und mit ultrarea­lis­ti­scher Figür­lich­keit ande­rer­seits – was die Inter­pre­ta­ti­ons­ma­schi­nerie des regie­thea­ter­ge­schulten Betracht­erhirns gele­gent­lich brachial im Leer­lauf rotieren lässt. Zu versu­chen, das zugrun­de­lie­gende Werk mit Castorfs Bühnen­ge­schehen in Einklang zu bringen, ähnelt zuweilen dem Bemühen, Öl mit Wasser zu mischen. Doch damit stellt Castorf den auto­ma­ti­sierten und fast bis zur Verzweif­lung betrie­benen Dechif­frie­rungs­pro­zess des Insze­nie­rungs­nor­mal­kon­su­menten an sich in Frage.

Götter-Gangster-Gang

„Das Rhein­gold“ kommt dabei vergleichs­weise harmlos daher. Es wird im ange­schmud­delten Verbre­cher- und Prole­ten­mi­lieu rund um das „Golden Motel“ an der Route 66 in einem Amerika der 60er Jahre verortet. Das Setting ist ohne Weiteres mit Habgier, Untreue, Kompro­miss­lo­sig­keit und Inzest der Götter- und Helden­welt des „Rings“ kompa­tibel. Ob nun ein von den Rhein­töchter-Nutten verspot­teter Albe­rich das Gold aus dem Motel­pool stiehlt, Papa­razzi Loge mit seinem Zippo vor der motel­ei­genen Tank­stelle zündelt, die beiden Riesen in blauen Latz­hosen schei­ben­zer­trüm­mernd ihren Lohn einfor­dern oder Erda als pelz­be­män­telte Puff­mutter ihre Bedenken kundtut.

Viel passiert hier gleich­zeitig in den – übri­gens in allen vier „Ring“-Teilen – monu­men­talen Dreh­büh­nen­auf­bauten von Produk­ti­ons­de­si­gner Alex­ander Denić, die durch ihre Mehr­stö­ckig­keit die Bühnen­höhe optimal ausnutzen und figür­lich orien­tierte Betrachter in reine Verzü­ckung versetzen. Immer dabei (auch im Rest der Tetra­logie): Sich oftmals flexibel ausfah­rende Projek­ti­ons­flä­chen für Video­in­stal­la­tionen. Gerne stellt Castorf hier live von einem Kame­ra­mann abge­filmtes Bühnen­ge­schehen heraus, was sonst nur schwer oder gar nicht sichtbar wäre. Dieser Effekt läuft sich aufgrund seiner Varianz und Mischung mit vorpro­du­zierten Sequenzen auch im Rest der Tetra­logie nicht tot.

Außerdem immer dabei auch Kult-Statist Patric Seibert, eigent­lich Regie­as­sis­tent der Produk­tion, der im Laufe der Teile unter anderem als Tank­wart, abstra­hierter lese­süch­tiger Bär, als Kellner und schluss­end­lich als ermor­deter Döner­mann zu sehen sein wird. Castorf, der der Indi­vi­dua­lität seiner Darsteller viel Bedeu­tung beimisst, eröffnet allein schon dieser Figur einen eigenen Kosmos.

Eben­falls immer dabei: mal vage, mal deut­liche Bezüge zum Thema „Öl“. Für Castorf symbo­li­siert Öl inter­na­tio­nale Macht­in­ter­essen, aber eine simple Darstel­lung etwa des Rhein­golds als Öl hätte nicht mit seinen Verfrem­dungs­stra­te­gien harmo­niert: So zieht sich das schwarze Gold denn wie ein Leit­motiv durchs Werk, mal nur subtil in Gesichter geschmiert oder am Boden ausge­laufen, mal in Fässern getürmt oder gar als domi­nanter, beständig auf- und abni­ckender Förder­turm.

Leider schwä­chelt an diesem „Vorabend“ die musi­ka­li­sche Seite. Marek Janow­skis Dirigat wirkt unin­spi­riert und weich­ge­spült. Die Haupt­par­tien bleiben durchweg farblos: Albert Dohmen als Albe­rich und Roberto Saccà als Loge fehlen Biss, Stimm­ge­walt und charak­te­ris­ti­sche Farbe; und Iain Paterson kassiert für seinen zaghaften Wotan sogar einige „Buh“s. Immerhin über­zeugen in den Neben­rollen vor allem Karl-Heinz Lehner als profunder Fasold und Nadine Weiss­mann als facet­ten­reiche Erda.

Ur-Emotionen zum Gähnen

In „Die Walküre“ wird dem Betrachter schon etli­ches mehr an geis­tiger Akro­batik abver­langt, um die Verpflan­zung der Geschichte in eine düstere Ölför­der­an­lage irgendwo in Aser­bai­dschan nach­zu­voll­ziehen (oder sollte man sich vom Nach­voll­zie­hen­wollen bei Castorf endgültig frei­ma­chen?). Abge­sehen von den bereits erwähnten Video­in­stal­la­tionen und dem übli­chen Auf- und Abge­renne in den Denić’schen Bühnen­auf­bauten bleibt dieser „Ring“-Teil bei Castorf vergleichs­weise statisch, um nicht zu sagen beson­ders im zweiten Akt schlicht und ergrei­fend lang­weilig, denn hier verwei­gert Castorf seinen Figuren beson­ders deut­lich Charak­ter­zeich­nung, psycho­lo­gi­sche Entwick­lung, Kommu­ni­ka­tion und vor allem Emotion. Und das gerade an Stellen, an denen letz­tere beson­ders brachial heraus­ge­ar­beitet werden könnten: in der abgrün­digen Erotik des inzes­tuösen Ehebruchs der Zwil­lings­ge­schwister Sieg­linge und Sieg­mund, und in Reak­tion darauf im Götter­kon­flikt zwischen Liebe, Ehre, Feig­heit und Schuld. Castorfs Figuren bleiben isoliert, entwickeln/​reiben sich nicht anein­ander. Verblüf­fend, dass sich gerade dieser Teil bei den Bayreu­ther Besu­chern größerer Beliebt­heit erfreut – viel­leicht, weil in dem braven Setting auch nichts wirk­lich strittig sein kann. Immerhin tröstet die Sänger­be­set­zung über einiges Unge­mach hinweg, so mit Chris­to­pher Ventris und Camilla Nylund als stimm­starkem und stimm­schönen Geschwis­ter­paar Sieg­mund und Sieg­linde und John Lund­gren als kraft­vollem Wotan, dessen Text­ver­ständ­lich­keit leider mangel­haft ist.

Bei Castorf hat eigent­lich jede Frau­en­figur etwas Nuttiges

In den letzten beiden Teilen lässt Castorf es im wahrsten Sinne des Wortes krachen (ob man das Schwert Notung bei der Tötung von Fafner nun wirk­lich durch eine donnernde Kalasch­nikow ersetzen muss, darüber lässt sich frei­lich streiten). Viel Anspie­lungs­rei­ches – immer wieder werden auch Spiel­filme zitiert – Komi­sches, Verwir­rendes, Effekt­volles trifft hier aufein­ander. In „Sieg­fried“ wird szenisch ein Ost-West- bzw. ein Kommu­nismus-Kapi­ta­lismus-Konflikt aufge­macht. Auf der einen Seite der nun schon bestens vertrauten Dreh­bühne findet sich eine „Kommu­nismus-Schlucht“ mit den Konter­feis von Stalin, Lenin, Mao und Marx als Mount Rushmore. Auf der anderen Seite prangt die Konsum­welt von Berlin Alex­an­der­platz. Durch diese Welten taumeln die Helden, wobei immer wieder starke, witzige, zuweilen auch berüh­rende Bilder entstehen: Etwa wie sich Erda die rich­tige Perücke für die Begeg­nung mit ihrem Ex Wotan, mit dem sie immerhin acht Kinder hat, aussucht – bei Castorf hat eigent­lich jede Frau­en­figur etwas Nuttiges –, um sich beim späteren gemein­samen Spaghet­tiessen von ihm demü­tigen zu lassen; wie der Wald­vogel durch ein opulentes Karneval-in-Rio- Glit­zer­kostüm aufge­wertet wird und urko­misch-tragisch – und in der Anlage sehr musi­ka­lisch, wenn Ana Durl­ovski ein weniger schrille Stimme hätte – Sieg­fried zu verführen versucht; wie Sieg­fried Müll über den toten, unge­liebten Zieh­vater Mime ausschüttet oder wie Sieg­fried und Brünn­hilde sich am Ende finden, in naiver Unkenntnis des anderen Geschlechts aber noch pani­sche Angst vorein­ander haben, während – übri­gens seit 2013 jedes Jahr mehr – Kroko­dile um sie herum­schlen­dern, die sie ganz nebenbei mit Essens­resten füttern. Das inter­pre­ta­ti­ons­wil­lige Hirn sagt: Vorein­ander haben die beiden Panik, die eigent­lich angst­er­re­genden Krea­turen (Kinder Fafners?) nehmen sie hingegen nicht einmal richtig wahr. Nur als ein Krokodil den Wald­vogel fressen will und Sieg­fried ihn rettet, handelt er sich dadurch einen „Ehekrach“ mit seiner liebsten Brünn­hilde ein. Aber viel­leicht mag das Ganze in seinem Slap­stick-Charakter auch einfach nur für sich stehen.

Ab „Sieg­fried“ lebt Diri­gent Marek Janowski langsam auf – dennoch bleibt die Orches­ter­leis­tung kein Vergleich etwa zu der unter Chris­tian Thie­le­mann, der in diesem Jahr bei „Tristan und Isolde“ wieder einmal beweist, wie entflammt, packend und messer­scharf Wagner klingen kann. Sänge­risch ist vor allem Andreas Conrad als verbit­terter, hinter­lis­tiger Mime hervor­zu­heben sowie Cathe­rine Foster, die bereits seit 2013 in drei von vier „Ring“-Teilen eine über­zeu­gende Brünn­hilde gibt. Stefan Vinkes forcierter, etwas unkul­ti­vierter Tenor scheint am Anfang noch zur Rolle des Sieg­fried zu passen, in der „Götter­däm­me­rung“ ist er grenz­wertig.

Show­down an der Döner­bude

Szenisch knüpft Castorf in der „Götter­däm­me­rung“ an „Sieg­fried“ an, wo er sonst ja zu starke Bezüge zwischen den Teilen strikt meidet. Aber auch den letzten Teil des 16-Stunden-Opern-Monu­men­tal­werks lässt er in Berlin spielen: Die Gibi­chun­gen­halle ist eine Döner­bude direkt an der Berliner Mauer, andere Szenen spielen in einem schumm­rigen Miets­haus-Innenhof mit über­di­men­sio­nierter Leucht­re­klame „Plaste und Elaste aus Schkopau“. Die Nornen sind – nuttige! – Glamour-Girls, die dubiose Voodoo-Rituale mit einem toten Huhn durch­führen. Stark und verstö­rend ist die Hoch­zeits­szene Gutrune und Sieg­fried: Im über­trie­benen Trubel der mit Besat­zungs­macht­fähn­chen wedelnden Gesell­schaft – ausge­zeichnet der Bayreu­ther Fest­spiel­chor! – geht Brünn­hildes Klage über Sieg­frieds Betrug nahezu unter, es wir geschlemmt, geknutscht, verge­wal­tigt und schließ­lich sogar gemordet. Gutrune wird über­zeu­gend als schwa­ches, liebes Mädchen gezeichnet – Brünn­hilde nicht eben­bürtig, die aber ihrer­seits gede­mü­tigt wird. Am Ende entpuppt sich der vermeint­liche, in Christo-Manier verhüllte Reichstag dann als Gebäude des „New York Stock Exch­ange“. Der Kapi­ta­lismus hat – mit einer Fassade, die durchaus ein Walhall sein könnte – die Ober­hand gewonnen.

Musi­ka­lisch stachen im letzten Teil beson­ders Stephen Milling als fantas­tisch sonorer Hagen, Markus Eiche als zorniger Gunther und in den Neben­rollen Wiebke Lehmkul als erste Norne heraus.

Fazit: Nicht alles von Castorf macht Spaß. Viele seiner Ideen sind spröde, plump, inkon­se­quent, schwer nach­zu­voll­ziehen, sehr versatz­stück­haft. Doch seine Art zu denken und zu arbeiten ist nach­wievor außer­ge­wöhn­lich, auf ihre sehr spezi­elle Art kreativ. Wir werden seinen „Ring“ fast schon ein wenig vermissen.