Alexei Ratmansky lehnt an der Stange im großen Saal des Baye­ri­schen Staats­bal­letts, hoch oben über der Bühne im Natio­nal­theater. Damals, 2014, arbei­tete er an seiner ersten eigenen Rekon­struk­tion eines Klas­si­kers, Paquita, und studierte die in München ein. Nach einer Probe erzählt er. Wirkt getrieben. Redet schnell. Ein russisch gefärbtes Englisch. Flie­ßend, aber hart. Er erklärt, wie sehr sich Ballett­äs­thetik und ‑technik verän­dert habe. Er wirkt damals wie ein etwas nerdiger Wissen­schaftler. Völlig versunken in Details. Darin, dass etwa das Spiel­bein bei den Pirou­etten nicht auf Knie­höhe, sondern an der Mitte des Ober­schen­kels ange­legt war. Oder dass Jetés mit gebeugten Beinen gesprungen wurden. Er erklärte, dass er gerade selbst gelernt habe, die Stepanow-Nota­tion zu lesen, eine Schrift, ähnlich wie Musik­noten, in der die ganzen Klas­siker aufge­zeichnet und über­lie­fert wurden. „Es ist alles da“, sagt er. Es ist ihm wichtig, was er da entdeckt. Er will aufzeigen, dass beinahe nichts von dem, was heute als Klas­siker auf den Bühnen aufge­führt wird, dem Original entspreche.

Ratmansky insze­niert Bilder einer Ausstel­lung für die Ballett­fest­woche des Baye­ri­sche Staats­bal­letts 2022

Heute, beinahe zehn Jahre später, ist Alexei Ratmanksy dann noch als ein anderer bekannt. Ein choreo­gra­fi­scher Grenz­gänger mit poli­ti­schen Bewusst­sein, der seine zeit­ge­nös­si­sche Choreo­gra­phie zu Modest Mussorgskys Bilder einer Ausstel­lung im Früh­jahr 2022 am Baye­ri­schen Staats­bal­lett zeigt – und am Ende die ukrai­ni­sche Flagge zum Großen Tor von Kiew aufleuchten lässt. Der eine sehr eigene Tanz­sprache hat, die höchst gefragt ist bei den großen Kompa­nien. Im Dezember 2022 war er wieder in München. Diesmal mit einer Urauf­füh­rung. Er kreierte ein abend­fül­lendes Ballett zu den Ouver­türen Tschai­kow­skys. Auf die Frage wie man ein Ballett mit lauter Anfängen, aber ohne ein Ende erschafft, antwortet er lako­nisch: „Ich habe mich selbst gefreut, auf diese Frage eine Antwort zu finden.“

Klas­si­sches Ballett und moderner Tanz werden gerne als Gegen­sätze gestellt. Vergleicht man die Körper­hal­tung von Schwa­nensee mit denen Martha Grahams, ist das ja auch ganz offen­sicht­lich. Einmal die ausge­drehten Beine, die aufrechte Körper­achse, die stre­benden Linien in den Arabes­quen. In den Anfängen des modernen Tanzes dann die Umkeh­rung all dessen: Curves im oberen Rücken, einge­drehte Beine, gebro­chene Linien. Und obwohl die großen Kompa­nien heute alles tanzen, ist die Tren­nung zwischen Klassik und allem anderen immer noch recht präsent. Umso erstaun­li­cher ist es, wie sicher sich Alexei Ratmansky zwischen diesen Welten bewegt.

Die Tschai­kowski-Ouver­türen, Baye­ri­sches Staats­bal­lett 2022

Der russi­sche Choreo­graf und Tänzer, 1968 in Sankt Peters­burg geboren, absol­vierte zunächst die klas­si­sche Lauf­bahn. Ausge­bildet an der Ballett­aka­demie des Bolshoi-Thea­ters wurde er schließ­lich zum Ersten Solisten beim Ukrai­ni­schen Natio­nal­bal­lett, beim Royal Winnipeg Ballet und dem Den Konge­lige Ballet in Kopen­hagen. Schon während seiner aktiven Tänzer­lauf­bahn choreo­gra­fierte er, bald war er gefragt bei den berühmten, großen Kompa­nien. Bis 2008 war er künst­le­ri­scher Direktor des Bolshoi-Balletts, seit 2009 ist er als Artist in Resi­dence beim American Ballet Theatre in New York. Richtig berühmt wurde Alexei Ratmansky aber auch durch seine Rekon­struk­tionen.

Ob er jetzt ein eigenes Werk schaffe oder ein altes rekon­stru­iere, sei der gleiche Aufwand, erklärt Ratmansky. Doch: „Ich bin in der Regel sicherer mit dem Ergebnis, wenn ich die bereits exis­tie­rende Choreo­grafie eines Meis­ters auf die Bühne bringe“, sagt er heute. Schon 2014 zeigte er sich begeis­tert davon, dass bei der Rekon­struk­tion ja alles schon da sein. Er nutzt dafür die Aufzeich­nungen, die der Choreo­graf des kaiser­li­chen russi­schen Balletts in Sankt Peters­burg, Nikolai Sergejew, 1918 in die USA brachte. Die Samm­lung wird seit 1969 in Harvard verwahrt. Für Alexei Ratmansky bedingen sich Klassik und kontem­po­rärer Tanz. In seiner Arbeit spie­gelt sich das. Das Timing, das Voka­bular, die Zusam­men­set­zung oder das Arran­ge­ment – das lerne er als heutiger Choreo­graf von früher: „Es ist, als würde man das Bild eines Meis­ters im Museum kopieren. Man lernt, wie es gemacht wird.“