„Es geht um die Musik, nicht um die Inter­pre­tInnen“

Frau Nosrati, Ihr Spiel wird oft als beson­ders klar und natür­lich beschrieben. Was bedeutet Musik für Sie?

Musik bedeutet mir alles, sie ist mir gera­dezu heilig, und ich bin dankbar, zum Erhalt dieser (aus meiner Sicht) groß­ar­tigsten mensch­li­chen Kunst­form beitragen zu dürfen. Für mich steht die Musik immer an erster Stelle, nicht die Inter­pe­tInnen. Deshalb finde ich es wichtig, so zu spielen, dass man dem jewei­ligen Werk und der Stilistik so gut wie möglich gerecht wird. Diese Ästhetik steht in gewissem Wider­spruch zum heutigen Zeit­geist, in dem der Perso­nen­kult vorherrscht und eine Kommer­zia­li­sie­rung und Verwäs­se­rung der klas­si­schen Musik zugunsten größerer Ticket­ver­käufe und Klick­zahlen auf Social Media erfolgt. Meiner Meinung nach Bedarf gute Musik keiner Popu­la­ri­sie­rung, um fort­zu­be­stehen; viel­mehr sollten wir eine Kultur des ernst­haften und ehrli­chen Musi­zie­rens pflegen und darauf vertrauen, dass gute Musik unmit­telbar zu den Menschen spricht und sie inner­lich bereichert.Bach als Ausgangs­punkt

Sie sind früh mit der Musik von Johann Sebas­tian Bach in Berüh­rung gekommen. Welche Rolle spielt sie heute?

Eine sehr zentrale. Ich bin in einer Familie aufge­wachsen, in der Bach immer präsent war. Diese Musik ist für mich so etwas wie ein inneres Koor­di­na­ten­system geworden. Sie gibt Orien­tie­rung, ohne einzu­engen. Von dort aus erschließe ich mir andere Klang­welten. Ich habe einmal gesagt, wenn man viel Bach gespielt hat, kann man alles andere spielen. Spätere Musik erscheint auf den ersten Blick viel­leicht virtuoser, voll­grif­figer und/​oder schneller, aber tatsäch­lich gibt es kaum etwas schwie­ri­geres, als ein mehr­stim­miges Werk von Bach zu spielen. Dafür benö­tigt man ein ausge­prägtes struk­tu­relles, harmo­ni­sches, melo­di­sches und rhyth­mi­sches Verständnis, Klang­sinn, gute Koor­di­na­tion… all dies sind Fertig­keiten, die einem auch bei der Inter­pre­ta­tion anderer Musik­stile zugu­te­kommen.

Prägung und Entwick­lung

Ihr inter­na­tio­naler Durch­bruch kam relativ früh. Welche Begeg­nungen waren entschei­dend?

Der Bach-Wett­be­werb in Leipzig 2014 war natür­lich ein wich­tiger Moment. Mein Erfolg bei diesem Wett­be­werb hat dazu geführt, dass ich Sir András Schiff vorge­stellt worden bin, und diese Begeg­nung hatte etwas gera­dezu Schick­sal­haftes. Herr Schiff hat mich in einer entschei­denden Lebens­phase sehr geför­dert, sowohl künst­le­risch, als auch im beruf­li­chen Werde­gang. Er ist für mich ein leuch­tendes Beispiel dafür, dass man auch eine große Karriere haben kann, wenn man künst­le­risch integer bleibt und sich nicht allen schein­baren Erfor­der­nissen des Marktes unter­wirft.

Zwischen den Kulturen

Sie haben persi­sche Wurzeln und sind in Deutsch­land aufge­wachsen. Spie­gelt sich das in Ihrer Musik?

Nicht im Sinne eines Programms, aber als eine innere Selbst­ver­ständ­lich­keit. Im Joolaee Trio, mit Misagh Joolaee und Sebas­tian Flaig, wird das am deut­lichsten hörbar. Dort begegnen sich unter­schied­liche Klang­tra­di­tionen ganz orga­nisch. Die persi­sche Musik war zwar nicht Teil meiner eigenen musi­ka­li­schen Ausbil­dung, aber sie ist mir dennoch sehr nah; glück­li­cher­weise durfte ich im Zuge meiner mitt­ler­weile über 20-jährigen Lebens­part­ner­schaft mit Misagh Joolaee tiefere Einblicke in diese große Musik­tra­di­tion gewinnen.

Neugier auf das Unbe­kannte

Sowohl auf Ihrer zuletzt veröf­fent­lichten CD (April 2026) als auch auf einem früheren Album aus dem Jahr 2019 widmen Sie sich der Klavier­musik von Charles-Valentin Alkan – ein eher unge­wöhn­li­ches Reper­toire.

Ja, Alkan ist ein faszi­nie­render Kompo­nist. Seine Musik ist extrem komplex, tech­nisch anspruchs­voll, aber vor allem inhalt­lich sehr viel­schichtig. Mich inter­es­siert weniger die Virtuo­sität als solche, sondern die Struktur und die Klang­vor­stel­lung dahinter. Seine Musik ist oft orches­tral gedacht, obwohl sie für Klavier geschrieben ist. Und sie führt die Inter­pre­tInnen wie auch die Zuhö­rer­schaft immer wieder an ihre Grenzen.

Musik und Welt

Sie betonen häufig, dass musi­ka­li­sche Entwick­lung nicht nur im Übungs­raum statt­findet.

Das ist mir sehr wichtig. Musik steht nie für sich allein, ebenso wenig wie die Künst­le­rInnen. Es bedarf eines frucht­baren Nähr­bo­dens. Lite­ratur, Philo­so­phie, gesell­schaft­liche Entwick­lungen – all das beein­flusst, wie wir hören, verstehen und musi­zieren. Ich lese viel, von Dosto­jewski über Hafis bis zu zeit­ge­nös­si­scher Lite­ratur. Gleich­zeitig brauche ich auch die Nähe zur Natur und liebe es, im Garten zu arbeiten und daraus Ruhe und Kraft zu schöpfen.

Ein Ort der Begeg­nung

Mit der Klos­terhof Schu­ber­tiade haben Sie ein eigenes Festival gegründet. Was war die Idee dahinter?

Ich wollte einen Ort schaffen, an dem Musik in einem anderen Kontext erlebt werden kann – konzen­trierter, unmit­tel­barer. Inspi­riert von der histo­ri­schen Schu­ber­tiade geht es darum, Verbin­dungen herzu­stellen, etwa zwischen Musik und Lite­ratur. Ein Programm mit Werken von Johann Wolf­gang von Goethe, Hafis und Franz Schu­bert, wie wir es bei der letzten Schu­ber­tiade hatten, ist dafür ein Beispiel. Aber es soll auch größt­mög­liche Nähe zwischen Künst­le­rInnen und Publikum ermög­licht werden- dafür eignet sich der Konzert­salon gera­dezu ideal.

„Reife braucht Zeit“

Was ist Ihnen heute als Künst­lerin beson­ders wichtig?

Dass man sich Zeit nimmt. Für die Musik, aber auch für alles, was darüber hinaus­geht. Künst­le­ri­sche Reife entsteht nicht durch Geschwin­dig­keit oder Sicht­bar­keit, sondern durch Erfah­rung und Ausein­an­der­set­zung.