Geboren in Chile, aufge­wachsen bei Adop­tiv­el­tern in New York, jetzt mit Ihrer Familie in Berlin ansässig, aber auch als Tenor regel­mäßig rund um den Globus unter­wegs – sind Sie als Kosmo­polit in Ihrem Element?

JT: Ehrlich gesagt habe ich keine andere Wahl. Das viele Reisen gehören zu meinem Beruf. Wann immer möglich, begleiten mich meine drei Köni­ginnen – meine Frau, unsere drei­jäh­rige Tochter und das Baby. Unter­wegs muss mich natür­lich auf meine Proben und Auftritte fokus­sieren. Aber in der knappen freien Zeit genießen wir den Luxus, die jewei­ligen Städte anzu­schauen, zu shoppen, uns auszu­ruhen. Ich hoffe, dass mir das auch rund um meinen Auftritt am 1.8. August auf Schloss Neuschwan­stein gelingt. Von diesem Ort hatte ich bis zu meinem Enga­ge­ment noch nie gehört.

Auf der Bühne haben Sie eben­falls viel Abwechs­lung, schlüpfen immer wieder in neue Rollen. Was bedeutet Ihnen das persön­lich?

Einsei­tige Figuren liegen mir nicht so – wie Ruggero in „La Rondine“, der nur ein Lieb­haber ist. Das ist mir nicht genug, da fehlt die persön­liche Entwick­lung. Lieber sind mir Charak­tere mit viel Dynamik – je mehr desto besser. Rollen wie Verdis Don Carlos oder Puccinis Cava­ra­dossi genieße ich am meisten, weil ich mit ihnen eine ganze Geschichte erzählen kann.

Warum sind Puccini und Verdi konstante Begleiter Ihrer Karriere?

Ich dachte früher, dass ich ein Mozart-Bariton oder hoher fran­zö­si­scher Bariton werde. Aber als ich ernst­haft begann, mich als Tenor auszu­bilden, bekam ich das Angebot, „La Bohème“ zu singen. Ich dachte: Warum nicht? Als ich mich dann in die Rolle vertiefte, befiel mich das Puccini-Virus. Ich verband mich mit diesem Kompo­nisten, seiner Art, für die Stimme zu schreiben, und seiner Gabe, Span­nung und mensch­liche Probleme auf eine so schöne, virtuose Art auf die Bühne zu bringen. Ich bekam danach auch andere Rollen in „La Traviata“, „Rigo­letto“ oder „I due foscari“ ange­boten und habe mich in das brei­tere lyri­sche bzw. Spinto-Reper­toire bewegt. Größere Musik und größere Rollen bringen aller­dings für Sänger auch mehr Verant­wor­tung mit sich. Puccini war eine gute Vorbe­rei­tung auf Verdi als nächsten Schritt.

Sind Konzert­abende wie auf Schloss Neuschwan­stein heraus­for­dernder, weil man sich im Gegen­satz zu einer Oper nicht auf eine durch­ge­hende Hand­lung und Rolle konzen­trieren kann, sondern von Arie zu Arie umstellen muss?

Man könnte denken, dass das schwie­riger ist. Aber sobald die Musik beginnt, weiß ich, wie ich mich fühlen und wie ich diese Emotionen teilen sollte, werde zur jewei­ligen Figur. Ich kenne jedes Stück sehr gut und verstehe mein Hand­werk. Außerdem suche ich für meine Programme Stücke aus, die zuein­ander passen.

Gibt es Auftritts­orte, die Sie mehr inspi­rieren als andere?

Für mich zählt vor allem die Verbin­dung zur Musik und den Menschen, mit denen ich arbeite. Der Ort drum­herum ist für mich nicht so wichtig – das kann der inti­mere Rahmen des Schloss­hofs von Neuschwan­stein genauso wie die Wiener Staats­oper sein.

Kann mit Bühnen­part­ne­rinnen und ‑part­nern eine beson­dere Inten­sität und Energie entstehen, insbe­son­dere zu zweit wie auf Schloss Neuschwan­stein, wo Sie unter dem Motto „Im Zauber der Verfüh­rung“ mit Chelsea Zurflüh singen?

Ich kenne diese Sopra­nistin noch nicht. Aber wenn Kolle­ginnen und Kollegen koope­rativ und offen sind, auch mit der Musik kommu­ni­zieren wollen, entsteht etwas sehr Spezi­elles. Das Publikum kann spüren, ob das authen­tisch ist oder nicht. Ich hoffe, dass wir auf Schloss Neuschwan­stein eine beson­dere Verbin­dung und Chemie mit den Zuhö­rern teilen können.

Im Opern-Publikum domi­nieren meist grau­haa­rige Köpfe. Ist es Ihnen als Mitt­drei­ßiger wichtig, auch jüngere Menschen für klas­si­sche Musik zu begeis­tern?

Unbe­dingt. Das gilt genauso gut für andere Menschen, die nicht in die Oper gehen. Es ist unsere Aufgabe als Musiker, auch sie zu berühren und klas­si­sche Musik so nahe­bringen, dass sie gerne wieder­kommen. Opern­ver­fil­mungen wie „La Bohème“, wo ich mit von der Partie war, können hilf­reich sein. Aber grund­sätz­lich habe ich meinen Körper, meinen Geist, meine Stimme, um über­zeu­gend zu kommu­ni­zieren.

Sie spielten früher in einer Band, haben als DJs gear­beitet. Wäre ein Mix zwischen Klassik und moderner Musik ein Weg, um mehr Menschen zu inter­es­sieren?

Es gibt einen DJ in Frank­reich, der Klassik mit elek­tro­ni­schen Elementen kombi­niert. Ich persön­lich habe ganz andere Pläne, nämlich gemeinsam mit einem guten Freund Klassik und Sport zu verbinden. Sie dürfen gespannt sein.

Sie singen seit acht Jahren an den besten Opern­häu­sern, treten mit Berühmt­heiten auf und haben hoch­ka­rä­tige Preise gewonnen. Sind trotzdem noch Wünsche offen?

Ich würde gerne insze­nieren, auf der anderen Seite der Bühne stehen. Das spüre ich immer wieder, wenn ich mich mit einer Produk­tion beschäf­tige. Zu jeder Rolle habe ich eigene Ideen, recher­chiere ausgiebig. Mir reicht es nicht, gesagt zu bekommen, wo ich stehen und wessen Hand ich schüt­teln soll. Ich möchte alles, was ich tue, mit der Musik und meiner Figur verbinden. Wenn man gut vorbe­reitet ist und seine eigene Inter­pre­ta­tion hat, ist es hart, wenn dir ein Regis­seur seine Ideen und seine Konzep­tion aufok­troy­ieren will – was nicht immer unbe­dingt mit dem zu tun hat, wie die Oper ursprüng­lich ange­legt war. Mein Ideal von Opern­regie wäre, die Akteure ins rechte Licht zu rücken und strahlen zu lassen. Aber man muss ihnen erlauben, das zu tun und zu fühlen. Vielen Regis­seuren ist das egal. Sie wollen nur, dass das getan wird, was sie wollen. Das ist moderne, aber keine echte Oper. Insge­samt gibt es für mich eine Krise der Oper und immer weniger echte Künstler wie Elina Garanča, die mit viel Nach­denken und Seele nicht nur in ihre Stimme, sondern auch in die Zeich­nung ihrer Figuren inves­tieren.