Darf man das schreiben, dass ein junger Mann buch­stäb­lich ein Bilder­buch-Diri­gent ist? Dass es scheint, als seien ihm Frack und Takt­stock in die Wiege gelegt? Tadellos elegant, feinste Manieren, dabei aber nicht aufge­setzt, sondern irgendwie alte Schule im besten Sinne, dazu eloquent und belesen, so beweist Maxi­mi­lian Haber­stock im Inter­view, dass er diese für sein Alter unge­wöhn­lich makel­lose Fassade durchaus einlösen kann: mit Geist, Wissen, Mut, Ziel­stre­big­keit, Führungs­qua­li­täten und sozialer Kompe­tenz. Dass bei aller Ernst­haf­tig­keit immer wieder jungen­hafter Humor und Unbe­küm­mert­heit aufblitzt, lässt den jungen Diri­genten auf char­mante Weise geerdet erscheinen. 

Herr Haber­stock, Sie sind erst 21 Jahre jung, Ihre Karriere ist bereits beein­dru­ckend! Aber das hören Sie nicht zum ersten Mal …

Ja, das erlebe ich öfter!

Und alles begann erst im Alter von neun Jahren, als Sie zum ersten Mal in einem sympho­ni­schen Konzert waren?

Tatsäch­lich begann mein Inter­esse fürs Diri­gieren dort. Durch meine Eltern war ich schon in sehr jungen Jahren in Konzerten, da aber zum ersten Mal in einem sympho­ni­schen Konzert. Riccardo Muti und die Wiener Phil­har­mo­niker waren auf Tournee und spielten im alten Gasteig. Ich erin­nere mich noch daran, als wär’s gestern, auch an das Programm.

Aber Sie hatten vorher bereits ange­fangen Klavier zu lernen.

Ja, mit sechs Jahren hatte ich meinen ersten Klavier­un­ter­richt. Eigent­lich recht typisch: Ich komme aus einer kunst- und musik­lie­benden Familie, ein Flügel war bereits da und noch bevor ich selbst einen Ton gespielt habe, hat mich Musik tief faszi­niert. Im Grunde hat sich von dort aus alles entwi­ckelt.

Und dann dieses beson­dere Konzert­er­lebnis – was ist da passiert mit Ihnen?

Es war dieser klang­liche Farben­reichtum des Orches­ters, der mich in einen unwi­der­steh­li­chen Bann gezogen hat, diese einzig­ar­tige Kraft und Wucht des Orches­ters!! 

Was geschah nach dieser Initi­al­zün­dung?

Ohne Frage war es ein Schlüs­sel­er­lebnis, aber ich möchte die Tatsache, dass ich Diri­gent werden wollte, nicht auf diese eine Sache beschränken. Auch wenn das Klavier­spiel in viel­fäl­tiger und inten­siver Weise immer zu meinem Leben gehören wird, habe ich damals bereits deut­lich empfunden, dass es mich stark in eine mehr­di­men­sio­nale Klang- und Musi­zier­welt drängt: in das Orchester.

Diese Faszi­na­tion für das Orchester hat Sie zu einer beson­deren Bezie­hung geführt …

So ist es! Güns­tige Umstände ermög­lichten mir, hier in München sehr zeitig und für mich tief prägend Mariss Jansons persön­lich kennen­zu­lernen. Ich war bei unserer ersten Begeg­nung erst elf!

Span­nend! Wie kam es dazu?

Durch eine wohl­wol­lende Vermitt­lung von Ulrich Wilhelm, dem dama­ligen Inten­danten des Baye­ri­schen Rund­funks, ergab es sich, dass ich ihn treffen und ihm vorspielen konnte. Natür­lich hieß es, er habe nur sehr wenig Zeit, viel­leicht fünf Minuten, und ich solle mir deshalb ein entspre­chend kurzes Stück aussu­chen. Ich sagte, ich würde gern ein Schu­bert-Impromptu spielen, das aber sieben­ein­halb Minuten dauert. Wenn er vorher gehen müsse, dann solle er mich einfach unter­bre­chen. Er blieb dann einein­halb Stunden! Es war einfach wunderbar! Wir unter­hielten uns, nachdem ich gespielt hatte, über alles Mögliche, über verschie­denste Kompo­nisten. Schließ­lich setzte er sich selbst ans Klavier, um mein Gehör zu testen.
Am Ende umarmte er mich und sagte, ich sei bei all seinen Proben immer will­kommen, ich könne auch jeder­zeit zu ihm kommen und mit ihm spre­chen.

Was Sie getan haben …

Natür­lich! In der Praxis sah das so aus, dass ich die nächsten vier Jahre, also bis zu seinem Tod, wirk­lich dauernd in seinen Proben und Konzerten saß. Und so alle zwei Monate berief er mich zu einer „Audienz“ ein. Da saßen wir dann eine gute Stunde zusammen, spra­chen über die Programme, die er gerade diri­gierte, aber auch über andere Kompo­nisten. Er erzählte dann auch einfach Geschichten, ein biss­chen aus seiner Biografie, über seine Zeit mit Karajan …

Eine fast väter­liche Figur also …

Ja, aber immer nur in diesem profes­sio­nellen Umfeld, nie außer­halb. 

Und er hat Sie offenbar bestärkt weiter­zu­ma­chen.

Auf jeden Fall!

Hatten Sie denn von Ihrem Wunsch erzählt, Diri­gent zu werden?

Ja, das war ziem­lich genau zu der Zeit, als ich zum ersten Mal – unab­hängig von Jansons – mit dem Beruf in Berüh­rung kam. Ich durfte zum ersten Mal das Schul­or­chester bei uns diri­gieren und hatte meinen aller­ersten Diri­gier­un­ter­richt an der Musik­schule genommen.
In der dichten Begeg­nung mit Jansons habe ich dann ange­fangen zu erahnen, was dieser Beruf über­haupt bedeutet könnte. Bei ihm konnte ich erleben, was inten­sive Proben­ar­beit tagtäg­lich bedeutet, wie akri­bisch er den Klang geformt, das Musi­zieren einge­for­dert hat. Was mich vor allem aber bei Jansons so faszi­niert hat, war, dass er eigent­lich eher selten ausschließ­lich auf das kommende Konzert hin geprobt hat, sondern über das bevor­ste­hende Konzert hinaus gene­rell diesen Klang­körper künst­le­risch prägen wollte. Ich habe das damals in mich aufge­sogen, als wäre es das Natür­lichste der Welt, aber im Nach­hinein musste ich fest­stellen, dass das ganz und gar nicht üblich ist.

Diri­gieren ist Erfah­rung, das lernt man nicht vorm Spiegel.

Und wie sah nun der Weg vom Wunsch bis zum Diri­gen­ten­pult aus?

Mit zwölf Jahren habe ich meinen ersten Diri­gier­un­ter­richt bekommen und durfte ein wenig das Musik­schul­or­chester diri­gieren. Aber ich wollte viel mehr erleben, auspro­bieren und diri­gieren. Denn nicht nur Jansons hatte mir gesagt, das Diri­gieren sei nun mal ein Erfah­rungs­beruf, das lerne man nicht vorm Spiegel. Lear­ning by doing, anders ginge es nicht. Also begann ich mit 14 Jahren konkret zu planen, ein Orchester zusam­men­zu­stellen. Mit 15 wurde es dann Wirk­lich­keit!

Wie war das, mit 15 Jahren vor dem eigenen Orchester zu stehen?

Herr­lich! Natür­lich war mein Orchester damals anders als heute. Aber es war das erste Mal, dass ich ein sympho­ni­sches Konzert durch­di­ri­giert habe. Wir waren damals 20 Musiker aus der Münchner Musik­hoch­schule, an der ich damals bereits Jung­stu­dent war. Zusammen haben wir Ende 2019 mit einem Haydn-Programm ange­fangen. Es lief so toll, dass wir im Folge­jahr mit einem Mozart-Programm aufge­treten sind.

In diesen Jahren waren Sie schon mehr­fach beim Verbier Musik­fes­tival…

Genau! Ich war insge­samt bis 2021 dreimal dort: zunächst 2018 als Pianist und 2019 als Junior Conduc­ting Fellow. Dadurch hatte ich auch die beson­dere Möglich­keit, sehr persön­liche Gespräche mit verschie­denen inter­na­tio­nalen Künstler- und Diri­gen­ten­per­sön­lich­keiten zu führen, so zum Beispiel mit Fabio Luisi, Manfred Honeck und auch Gergijew, mit dem sich einmal ein einein­halb­stün­diges Gespräch ergab. Und 2019 lernte mich dann James Gaffigan in einem seiner 20-Minuten-Meis­ter­kurse kennen, der mich daraufhin als Assis­tent für das Verbier Festival Junior Orchester 2021 auswählte.

Der Ritter­schlag also …

Das kann man so sagen! Ich war dann quasi „Mädchen für alles“, habe Orches­ter­proben geleitet, wenn erfor­der­lich den Orches­ter­kla­vier­part gespielt und durfte im zweiten Konzert mit einer Berlioz-Ouver­türe das Konzert eröffnen sowie im Konzert­haus diri­gieren.

Und wie ging es mit Ihrem Orchester weiter?

Es kam alles ganz folge­richtig: Die Tatsache, dass ich in Verbier mehr­mals drei Wochen lang mit dem inter­na­tio­nalen Spit­zen­nach­wuchs meiner Gene­ra­tion in so engem Kontakt stand, war der Grund­stock dafür, dass ich 2023 sozu­sagen ein „Verbier-Festival-Reunion-Project“ starten konnte. Und so grün­dete ich, ergänzt durch junge Musiker aus der Musik­hoch­schule München, das Junge Phil­har­mo­ni­sche Orchester München. Wir waren damals 52 Musiker, und unser erstes Konzert mit Mendels­sohns Schot­ti­scher Symphonie und Tschai­kow­skis Rokoko-Varia­tionen mit Alban Gerhardt war so erfolg­reich, dass wir alle weiter­ma­chen wollten. Inzwi­schen sind wir fast 100 Musiker und stehen in offi­zi­eller Koope­ra­tion mit dem Verbier Musik­fes­tival.

Man muss sich mit seiner ganzen Persön­lich­keit mitteilen können.

Nun sind das ja alles junge Leute. Wie aber werden Sie denn von Berufs­or­ches­tern respek­tiert? Da sitzen ja deut­lich ältere Musiker …

Ich habe die klare Erfah­rung gemacht, dass es zwei Quali­täten gibt, die Musiker in einem Diri­genten überall suchen: Die erste ist, dass er genau weiß, was er will, eine klare Konzep­tion hat von dem, was er macht, und diese ehrlich im Geiste der Partitur vertritt.
Und die zweite ist, alles auch so zu kommu­ni­zieren, dass es verständ­lich wird, also dass es nicht nur im Kopf bleibt. Man muss sich mit seiner ganzen Persön­lich­keit mitteilen können. Dann sind der Respekt und die Bereit­schaft, dem zu folgen, meiner Erfah­rung nach da. Mein Diri­gier­pro­fessor sagt daher oft sehr poin­tiert: „Das Diri­gieren ist ein Führungs- und Kommu­ni­ka­ti­ons­beruf, der rein zufällig etwas mit Musik zu tun hat.“ Mariss Jansons lebte das wie kaum kein anderer, nicht stereotyp, sondern auf seine eigene, ganz beson­dere und liebe­volle Art.

Wo sehen Sie sich selbst in diesem Zusam­men­hang?

Eine span­nende Frage, die sich jeder junge Diri­gent immer wieder selbst stellen muss. Wichtig ist für mich dabei, dass ich authen­tisch meinen inneren Vorstel­lungen folge und alle Musiker mitnehme.

Gibt es weitere Vorbilder für Sie?

Selbst­ver­ständ­lich: Karajan und Furtwängler, auch Willem Mengel­berg schätze ich sehr. Und wenn ich all jene zusam­men­fassen darf, die ich erlebt habe, dann sind da natür­lich – neben Jansons als Nummer eins – Gergijew und Thie­le­mann. Letzt­ge­nannte sind beide für mich auf ihre eigene Art sehr faszi­nie­rend, vor allem in ihrer klang­sinn­li­chen, spon­tanen und mitunter sogar riskanten Musi­zier­be­reit­schaft. 

Kennen Sie das auch?

Nicht in dem Grad. Ich sehe mich bei aller starken Klang­be­geis­te­rung schon als struk­tu­riert und syste­ma­tisch, intensiv und am Detail feilend in den Proben, aber in keiner Weise als Kontrol­leur im Konzert.

Elemente ähnlich wie bei Teodor Curr­entzis?

Ja, er faszi­niert mich auch sehr! Was ich an ihm so sehr schätze, ist sein Wille, eine künst­le­ri­sche Einzig­ar­tig­keit konse­quent und umfas­send auszu­leben. Auch ist er enorm struk­tu­riert, zwin­gend klar. „Tages­form“ gibt es bei ihm nicht! Dazu ist er extrem zuver­lässig und geht unbe­ein­druckt von allen Wider­ständen seinen Weg. Zudem ist er ein Arti­ku­la­ti­ons­fa­na­tiker wie ich es auch bin.

Gehen die Musiker da mit?

Unbe­dingt, wenn die Forde­rung aus dem ehrli­chen inneren Gespräch mit der Partitur kommt!

Was ist denn das Charak­te­ris­ti­sche Ihrer Inter­pre­ta­tionen?

Auf alle Fälle der Klang! Dieser intensiv warme, breite, volle, große Klang. Und schließ­lich das große Thema Arti­ku­la­tion. Es gibt in dem Zusam­men­hang einen wunder­baren Satz von Karajan: „Jede schnelle Musik klingt lang­weilig, wenn sie nicht gut arti­ku­liert ist.“
Inso­fern suche ich immer wieder nach dieser beson­deren Balance, denn bei aller Breite und Größe und Dichte soll es niemals weich­ge­spült klingen, sodass daher die Strahl­kraft nicht verloren geht.

Wo sehen Sie in musi­ka­li­scher Hinsicht Ihre Schwer­punkte bezie­hungs­weise Stärken?

Ganz klar bei Beet­hoven und der deut­schen Romantik. Selbst­ver­ständ­lich liebe ich auch einen Tschai­kowsky und diri­giere sehr gern bereits oft Oper, wie letz­tens Mozarts Don Giovanni.

Und was ist mit zeit­ge­nös­si­scher Musik?

In aller Ehrlich­keit: Sie ist nicht mein Stecken­pferd. Ich habe ja auch eine gewisse Zeit lang kompo­niert – jetzt komme ich leider nicht mehr dazu –, habe auch Kompo­si­ti­ons­meis­ter­kurse gemacht. Aber ich war immer der Einzige, der tonal geschrieben hat – im spät­ro­man­ti­schen Stil von Wagner oder Strauss.

Sie wollen aber dennoch mit Ihrer spät­ro­man­ti­schen Auffas­sung in Ihre Gene­ra­tion strahlen?

Absolut! Und ich erlebe nicht nur in mir, sondern sowohl bei sehr vielen Musi­kern als auch beim Publikum, wie tief und begeis­tert gerade die Klang­vor­stel­lungen des ausge­henden 19. Jahr­hun­derts aufge­nommen werden. Hier leben sich erfri­schend neue Klang­welten aus, die in einer großen Kultur­tra­di­tion wurzeln mit ihren Impulsen aus Lite­ratur, Kunst und Philo­so­phie. Dazu gibt es sinn­gemäß einen wunder­baren Satz von Brahms: „Übt eine Stunde weniger am Tag und lest statt­dessen ein gutes Buch mehr.“
Entspre­chend finde ich, dass man einen Robert Schu­mann viel besser verstehen kann, wenn man einen Hein­rich Heine oder Joseph von Eichen­dorff dazu gelesen hat.

Ich will der klas­si­schen deut­schen Diri­gen­ten­schule wieder zur Aktua­lität verhelfen. 

Der Weg zum tiefen Verständnis der Musik verlangt also eine gute Bildung.

Aus meiner Sicht: klar!! Und vor allem wird diese umfas­sende Bildung zu Recht auch von einem Diri­genten erwartet – nein, eigent­lich als Notwen­dig­keit voraus­ge­setzt.
Ich fühle mich daher persön­lich sehr der klas­si­schen deut­schen Diri­gen­ten­schule verhaftet, von Wagner herkom­mend über Mottl, Wein­gartner, Furtwängler, und habe mir musi­ka­lisch betrachtet zur Aufgabe gestellt, dieser Tradi­tion wieder zu der klang­li­chen Aktua­lität zu verhelfen, die sie aus meiner Sicht verdient, derzeit aber so gut wie nicht hat.

Sie wollen also zurück in die alte Tradi­tion …

Nein, ich möchte in keiner Weise zurück, ich möchte sie in unsere heutige Zeit über­tragen und weiter­führen: beispiels­weise in der Art wie ein Furtwängler, der die Tradi­tion Wagners in einer Linie fort­ge­führt hat, deshalb aber keine Kopie von Wagner war. 

Lassen Sie uns über Ihre Tournee spre­chen, die jetzt ansteht.

Gerne! Nachdem wir also 2023 und 2024 mit dem – unter anderem durch die Koope­ra­tion mit Verbier – so ausge­zeichnet gewach­senen und künst­le­risch profi­lierten Orchester je ein Projekt im Carl-Orff-Saal in München gemacht hatten, gab es mehr­fach (so auch von Teodor Curr­entzis) die Empfeh­lung, ein derar­tiges Projekt mit so einem enormen Aufwand mit Musi­kern aus 20 Nationen nicht nur wegen eines Konzerts zu veran­stalten, sondern eine Konzert­tournee daraus zu machen.

Leichter gesagt als getan, oder?

Ja, aber wir haben selbst gespürt, dass es an der Zeit ist, die vorhan­denen Ressourcen auszu­bauen. 2025 haben wir dann die Zwei-Tage-Tournee Salzburg–München gemacht. Und jetzt geht es zum ersten Mal auf große Tournee: nach Prag in den Smeta­na­saal, danach Wies­baden, weiter in die Alte Oper Frank­furt, schließ­lich in den Herku­les­saal nach München.

Mit welchem Programm?

Meis­ter­singer-Vorspiel, Liszt-Klavier­kon­zert Nr. 2 und Beet­ho­vens Fünfte. Beet­hoven ist und bleibt mein Kern­re­per­toire. Die Fünfte als ein kompo­si­to­ri­scher Zenit wird uns alle in den Bann ziehen. Die geis­tige Brücke ist mit Wagners Meis­ter­singer-Vorspiel perfekt gegeben. Der Solist im Konzert ist ein alter Freund von mir aus den USA, Maxim Lando. Wir haben uns über Lang Lang – wir waren beide Meis­ter­schüler bei ihm – und beim Stars and Rising Stars Festival hier in München kennen­ge­lernt. Er ist ein phäno­me­naler Pianist, und Liszt liegt ihm sehr. Ich habe gezielt das zweite Liszt-Klavier­kon­zert gewählt, da es auch eines meiner Lieb­lings­kla­vier­kon­zerte ist und sehr gut zu Wagner passt.

Wer spon­sert das alles für Sie? Wer bemüht sich darum? Fund­rai­sing ist ja unglaub­lich aufwendig.

Ja, das ist eine große Sache, in die ich bewusst viel Zeit inves­tiere. Fund­rai­sing ist immer Chef­sache, weil es ein Gesicht, eine persön­liche Brücke braucht. Und ich bin das Gesicht des Orches­ters. Keiner wird an das Orchester glauben und auch nur einen Cent inves­tieren, ohne mich kennen­ge­lernt zu haben. Aber dankens­wer­ter­weise haben wir viele Leute, die uns bei den zahl­rei­chen Bemü­hungen sehr unter­stützen. Nirgends spürt man deut­li­cher, dass es in der ganzen Branche auch immer darum geht, sich ein leben­diges Netz­werk aufzu­bauen, künst­le­risch wie wirt­schaft­lich.

Ich habe ein starkes Bewusst­sein meiner inneren Vision.

Wie gehen Sie eigent­lich mit Kritik um?

Das muss man sehr diffe­ren­ziert betrachten. Kritik ist etwas Wich­tiges. Sie ist das, was einen davon abhält, im luft­leeren Raum zu träumen. Sie hält einen auf dem Boden. Aber: Sie sollte aus einer Vertrau­ens­basis, einem Wohl­wollen und einer Iden­ti­fi­ka­tion mit der Sache gespeist sein. Moti­viert sie einen zum Nach­denken, zum Weiter­kommen oder will sie nur mit konkur­rie­render Herab­las­sung bril­lieren? Dazu fällt mir ein Zitat von Beet­hoven ein, als er kriti­siert wurde: „Mücken­stiche werden ein tapferes Pferd in seinem Lauf nicht aufhalten.“
Das starke Bewusst­sein meiner inneren Vision hält mich in der Regel davon ab, zu sehr auf das „Gerede“ zu achten.

Was ist für Sie das Geheimnis eines guten Diri­genten?

Das Diri­gieren ist deshalb ein so faszi­nie­render Beruf, weil es der Beweis dafür ist, wie viel Kommu­ni­ka­tion nonverbal passiert, wie ganz­heit­lich, viel­schichtig die Anfor­de­rungen an eine ganz persön­liche Verwirk­li­chung von geistig-musi­ka­li­schen Welten sind. Dabei sind die Hände wichtig, aber nur ein kleiner Teil im Tableau der Befä­hi­gungen. Ebenso verhält es sich beim Blick, bei den Augen, einer guten Körper­mitte. Auch bei allen großen Diri­genten sind es nicht nur die Hände. Und auch nicht nur – wie so oft behauptet – die Augen. Es gibt hier keine eindeu­tige Kausal­kette – es bleibt nur der ganz indi­vi­du­elle Weg. Bei sich zu bleiben, und das optimal trotz aller Schwie­rig­keiten ein ganzes Leben lang auszu­formen, ist die Meis­ter­schaft!

Ein letztes Wort?

Gern! Ein etwas zuge­spitzter Satz, den mir der Schweizer Kompo­nist und Diri­gent Michel Tabachnik einmal gesagt hat. Viel­leicht ist er gar nicht von ihm, aber er fasst es natür­lich schön zusammen: „Es ist die Aufgabe des Musi­kers, all das zu produ­zieren, was schwarz auf dem Noten­blatt steht – Noten, Vorzei­chen, Pausen, Systeme, Tempi. Die des Diri­genten ist es, all das umzu­setzen und lebendig zu machen, was weiß ist.“