Für viele ist die klas­si­sche Musik so etwas wie der Gold­preis der Kultur: stabil und keinen Schwan­kungen ausge­setzt, unab­hängig von Moden und Zeit­geist. Ein ewiges, ja klas­si­sches Erbe, ein klin­gendes, in Marmor geschla­genes Monu­ment. All das ist natür­lich voll­kom­mener Quatsch! Der Diri­gent Daniel Baren­boim hat einmal den sehr klugen Satz gesagt: Die Aufgabe eines Klas­sik­künst­lers sei es, das ewig Gleiche immer wieder neu zu entde­cken – Abend für Abend. In Wahr­heit unter­liegt die Klassik also auch dem Diktat der Mode. Wie eine Beet­hoven-Sinfonie heute klingt, sagt mehr über unsere Zeit aus als über die Zeit Beet­ho­vens. Die jewei­lige Inter­pre­ta­tion ist, wenn man so will, das Gewand, das wir dem nackten Noten­text allabend­lich über­streifen: glit­zernd, abge­wrackt, in strenger Form oder indi­vi­dua­lis­tisch deko­riert.

Pathos, Effekt und Sinn für den Rausch

Eine These, die sich leicht beweisen lässt: Hören wir einfach, mit wie viel Pathos, Effekt und Sinn für den Rausch Wilhelm Furtwängler Beet­ho­vens Neunte diri­giert hat und wie Herbert von Karajan sie nur zwei Jahr­zehnte später auf Hoch­glanz polierte. Wie eklek­ti­zis­tisch sie sich beim Amts­an­tritt von Simon Rattle bei den Berliner Phil­har­mo­ni­kern anhörte und wie ein Diri­gent wie Teodor Curr­entzis sie heute gegen den Strich bürsten würde. All diese Diri­genten kleiden Beet­hoven immer auch in den Zeit­geist ihrer jewei­ligen Epoche: das natio­nale Über­wäl­ti­gungs­pa­thos der Kriegs­zeit bei Furtwängler, der Sound­track des Wirt­schafts­wun­ders bei Karajan, der Einzug der Post­mo­derne bei Rattle und der unbe­dingte Wille zur eigenen Entäu­ße­rung bei Curr­entzis.

Ein anderer schöner Satz stammt von dem Pianisten Pierre-Laurent Aimard: „Klas­si­sche Musik ist nichts anderes, als immer wieder eine Brücke von der Vergan­gen­heit in die Gegen­wart zu schlagen. Die Partitur bildet dabei den unver­rück­baren Fixpunkt der Geschichte, auf den wir jeden Tag voll­kommen neu zurück­bli­cken, stets geprägt von jener Welt, die uns umgibt.“ Die Inter­pre­ta­tion eines klas­si­schen Werkes ist am Ende also immer auch eine Form der Geschichts­schrei­bung. Auch hier verän­dert sich unser Blick auf das Vergan­gene andau­ernd. Wie sehr unter­scheidet sich unsere Einord­nung der Politik Bismarcks in der Weimarer Repu­blik, im Natio­nal­so­zia­lismus, in der Nach­kriegs­zeit oder heute? Geschichte wird in neuen Geschichten und Zusam­men­hängen immer wieder neu erzählt, unser Blick auf das Vergan­gene verän­dert sich. Und keine Kunst macht das so deut­lich wie die Musik, da sie zwei Schöp­fungs­akte hat: die histo­ri­sche Schöp­fung der Partitur und die ewig aktu­elle Schöp­fung der Inter­pre­ta­tion.

Ange­nehmes Geschichts­ver­gessen

Wie sehr auch die Klassik der Mode unter­liegt, zeigt darüber hinaus ein Blick auf unsere Spiel­pläne. In der Nach­kriegs­zeit bis spät in die 70er-Jahre war es selbst­ver­ständ­lich, dass italie­ni­sche Opern an deut­schen Stadt­thea­tern in deut­scher Sprache aufge­führt, ja sogar auf Deutsch aufge­nommen wurden. Während in den 60er-Jahren die Operette noch gleich­be­rech­tigt neben großen Opern aufge­führt wurde und es selbst­ver­ständ­lich war, dass Sänger wie René Kollo in großen deut­schen Fern­seh­shows eine Operet­ten­arie und eine Verdi-Arie sangen, ist das heute nicht mehr vorstellbar. War die Operette einst eine Form des ange­nehmen Geschichts­ver­ges­sens, wird sie heute meist als sozi­al­kri­ti­sche Kunst aufge­führt. Auch das Reper­toire unter­liegt den Moden unserer Zeit: In den 70er-Jahren domi­nierten Kompo­nisten wie Verdi oder Puccini die Spiel­pläne, heute sind die größten Erfolge mit Strauss oder Wagner zu erzielen. Ihre Opern waren früher großen Häusern vorbe­halten, heute werden sie auch von klei­neren Stadt­thea­tern in Angriff genommen, um die Viel­fäl­tig­keit unserer Gegen­wart neu zu ordnen. Einst wurde der Spiel­plan nach dem großen Abc der Oper aufge­stellt: Aida, Bohème und Carmen waren Garanten für Erfolg. Heute ist das Reper­toire, ebenso wie unsere Zeit, viel diverser geworden, weiter gefä­chert, und immer wieder öffnen sich Theater dem Neuen oder graben Unbe­kanntes aus.

Auch einzelne Künstler sorgen zuweilen für voll­kommen neue musi­ka­li­sche Moden. Niko­laus Harnon­court erin­nerte sich gern daran, wie er den Proben Herbert von Kara­jans beiwohnte und wie die Wut in ihm aufstieg. Für Harnon­court waren die Karajan-Inter­pre­ta­tionen der Spiegel einer auf Hoch­glanz gebürs­teten Zeit, die über­wäl­tigen wollte, die Auto­ri­täten suchte. Sein Gegen­mo­dell war revo­lu­tionär anders: Harnon­courts Orchester, der Concentus Musicus Wien, setzte auf demo­kra­ti­sche Betei­li­gung jedes einzelnen Musi­kers, auf die Verant­wor­tung aller, und vor allen Dingen auf die Wieder­ent­de­ckung der alten Instru­mente und des soge­nannten „histo­risch infor­mierten Spiels“. Ein Ausdruck, der oft zu Miss­ver­ständ­nissen führt. Dabei ging es Harnon­court nie darum, Mozart erklingen zu lassen, wie er zu Mozarts Zeit klang, sondern den Klang der Mozart-Zeit möglichst genau und wissen­schaft­lich infor­miert in unsere Zeit zu über­setzen. Damit legte er den Grund­stein für viele andere Musiker wie etwa Roger Norrington, und heute ist es kaum vorstellbar, dass ein Orchester Mozart oder Beet­hoven – ganz zu schweigen von Bach oder Haydn – spielt, wie es einst Karajan tat. Sein Sound ist einfach aus der Mode gekommen.

Welt­weite Barock-Begeis­te­rung

Einem Diri­genten wie Leonard Bern­stein gelang es sogar, einen Kompo­nisten zur Mode zu erheben, als er die damals selten gespielten Sinfo­nien von Gustav Mahler neu inter­pre­tierte. Mahler passte perfekt in eine Zeit, die mit der Moderne, mit massiven Umbrü­chen und der Neuent­de­ckung des Indi­vi­duums rang. Die Auswir­kungen dieser Entde­ckung dauern bis heute an. Auch Sängern gelang es übri­gens immer wieder, eigene Rezep­ti­ons­moden zu schaffen. So war es Cecilia Bartoli, die mit ihrer akri­bi­schen Suche nach verges­senen Kompo­nisten und Opern eine welt­weite Barock-Begeis­te­rung auslöste.

Natür­lich unter­liegen auch die Klas­sik­in­ter­preten selbst den Moden ihrer Zeit. Während ein Pianist wie Fried­rich Gulda das Publikum der 70er-Jahre schockte, indem er in Konzert­sälen im Anzug und bei Jazz­kon­zerten split­ter­fa­ser­nackt auftrat (ein Impuls der 68er-Bewe­gung), prägte ein Tenor wie Luciano Pava­rotti das Bild des Tenors mit Frack und Taschen­tuch. Geiger wie Nigel Kennedy über­führten die Mode des Punk in die Klassik, und sein Epigone, David Garrett, tut das gleiche noch heute – aller­dings mit anderem Outfit.

Klas­si­sche Musik ist also alles andere als eine starre Kunst. Im Gegen­teil: Gerade ihre feste Veran­ke­rung in der Geschichte durch die jewei­lige Partitur macht sie zu einer der viel­leicht besten Künste, um den jewei­ligen Geist unserer Zeit abzu­lesen.